категории фильмов а б с что это
Блеск и нищета «фильмов категории Б»
Что же это за «фильмы категории Б», почему они стали предметом культа и в каком состоянии пребывают «би-мувиз» сегодня?
Современная система «один сеанс – один фильм» существовала не всегда. На заре американского кинематографа перед фильмом, на который пришел зритель, ему показывали пачку «бонусных материалов»: живое представление, трейлеры, выпуск кинохроники, короткий мультфильм. С появлением звукового кино в конце 20-х годов «шелуха» в виде живых представлений стала постепенно отваливаться (звук был единственным преимуществом театральных сценок перед снятыми на пленку), новости и мультфильмы тоже со временем ушли – им нашлось место на ТВ. Вместо всей этой мелочи перед «основным блюдом» – блокбастером категории А – зрителям теперь предлагали смотреть дешевую полнометражку, относящуюся к менее уважаемой категории Б. Схема «два фильма по цене одного» вполне себя оправдывала финансово, поскольку снимать подобные «бэшки» было даже дешевле, чем «короткие метры». В таком режиме в 20-40-е годы работала без малого треть всех американских кинотеатров, и еще одна треть использовала эту систему выборочно.
Дело в том, что студии времен «Золотого века Голливуда» вели политику почти рабовладельческую: заключая с актерами многолетние контракты и вкладываясь в их раскрутку, они затем стремились использовать ресурс на всю катушку и в промежутках, случающихся между большими проектами, заставляли звезд сниматься в разном мелком «ширпотребе» – дешевых постановках посредственного качества, которые затем впаривались прокатчиком в нагрузку к дорогостоящим проектам. Такой «кинофастфуд», произведенный в сжатые сроки, нередко страдал всеми типичными хворями плохого кино (глупые, клишированные, подчас нелогичные сюжеты, ходульные диалоги, халтурные спецэффекты), его старательно обходили своим вниманием серьезные рецензенты, а хронометраж каждой ленты редко достигал 70 минут. Однако киносетям приходилось закрывать на это глаза и закупать «бэшки» (т.н. B-movies) без всякой оглядки на их содержание: ценник выставлялся гуманный, за счет больших хитов все затраты окупались с лихвой, да и деваться было некуда – никаким иным путем заполучить хорошее кино было невозможно.
Тем не менее монопольная политика крупных студий многим стояла поперек горла, и в 1948 году грянул судебный процесс «Соединенные Штаты против Paramount Pictures», в частности, признавший практику навязывания прокатчикам второсортицы незаконной. Мейджорам пришлось усилить контроль за качеством своей продукции, количество выпускаемых ими фильмов резко сократилось (а бюджеты увеличились), и с этого, как считается, начался закат Золотого века с его легендарными голливудскими барышами, зато эстафету по производству недорогих фильмов перехватили независимые студии, которые получили возможность работать с крупными кинотеатральными сетями (до принятия антимонопольного закона сети крутили только ассортимент, предлагаемый мейджорами).
Кадр из фильма «Маленький магазинчик ужасов»
Надо заметить, схема «два фильма по цене одного» умерла не сразу: в кинотеатрах «второго экрана», таких как драйв-ины (drive-in – уличный кинотеатр, где фильм можно смотреть из окна автомобиля, для звука настроив радио на определенную частоту), она пользовалась популярностью до конца 60-х, хотя теперь «второсортные» фильмы закупались дистрибьюторами у маленьких компаний совершенно добровольно, исходя из их невысокой цены. На это время пришелся пик режиссерской карьеры легендарного Роджера Кормана, делавшего фильмы с феноменальной скоростью (оригинальный «Магазинчик ужасов», например, был снят им чуть ли не за два дня и стоил 30 000). В некоторых случаях свежий релиз дополнялся старой лентой, что позволяло прокатчикам сэкономить, а производителям лишний раз подзаработать. Даже крупные студии впоследствии не гнушались парных релизов, заряжая в кинотеатры бэушные хиты из популярных франшиз («Бондиана», спагетти-вестерны и пр.). Но в целом практика сдвоенных показов из кинозалов постепенно испарилась, вместо этого мейджоры научились брать зрителя не количеством, а качеством: в ход пошел объемный звук, 3D-технологии и прочие передовые спецэффекты, оставлявшие мелких конкурентов не у дел. Схема «два по цене одного» возродилась только с развитием хоум-видео, когда на одной кассете/диске стало возможным купить сразу два фильма – но это, как говорится, уже совсем другая история, как и ночные «нон-стопы», входящие в моду в последние годы.
Сражаясь за зрителя, независимые «бэшки» старались во всем по мере возможности копировать «большое кино»: по мере того как мейджоры увеличивали средний хронометраж своих фильмов, рос он и у «категории Б». Аналогично обстояло дело с бюджетами, однако в 90-е борьба стала неконкурентной: Голливуд стал вбивать в каждый фильм по 50 миллионов, чего инди-режиссеры себе позволить не могли, а кинопрокатчики, в свою очередь, не видели смысла вкладываться в рекламу дешевых фильмов: благодаря «Челюстям» Спилберга уже была задана мода на летние блокбастеры, и зритель стал слишком разбалован дорогостоящими зрелищами. Рынок «би-мувиз», расцветший в 70-е на волне «эксплотейшн»-фильмов, стал съеживаться, маленькие студии закрывались одна за другой и поглощались более крупными конкурентами, способными хоть что-то противопоставить шквалу спецэффектов, вываливаемому на мувигоеров мейджорами. Однако в нулевые годы научно-технический прогресс несколько уравнял инди-киноделов в правах с крупными игроками: цифровое кино и компьютерный постпродакшен удешевили производство фильмов в десятки раз, а невозможность пробиться к зрителю через кинотеатры сегодня компенсируют DVD-релизы (именно в таком формате в последнее время презентует свои ленты культовая трэш-студия Troma), кабельные сети (многим из которых нужен дешевый контент для заполнения щелей в круглосуточной программе вещания) и Интернет (уважаемый би-мастер Абель Феррара, например, грозится свой следующий фильм выкладывать на YouTube кусочками по 10 минут, поскольку «очевидно, что в будущем люди будут смотреть кино на компьютере»).
Кадр из фильма «Авраам Линкольн против зомби»
Ввиду всех изменений, которые переживал жанр, сегодня характеристика «фильм категории Б» может подразумевать несколько значений: а) жанровый фильм с минимальными художественными амбициями; б) энергичная недорогая постановка, не связанная рейтинговыми ограничениями, свойственными высокобюджетным проектам, и не пытающаяся играть в «серьезный» артхаус; в) высокобюджетный мейнстримный проект, не стесняющий заимствовать эксплотейшн-приемы, типичные для Б-категории. Таких проектов становится все больше, поскольку в нулевые годы большой Голливуд, столкнувшийся с кризисом свежих идей, начал подминать под себя жанровую территорию, которую раньше занимали «би-мувиз». Крупные студии вернулись к тому, с чего начинали: они снова делают [относительно] дешевые кинофильмы наряду с высокобюджетными постановками. Но независимые «бэшники» не сдаются, более того, теперь они научились работать на опережение: например, небезызвестная студия Asylum, в нулевые годы ставшая флагманским производителем малобюджетного трэша, сколотила капитал на том, что накануне громких мейджорских премьер выпускает на дисках их дешевые «имитации» с похожими названиями («Универсальные солдаты», «Змеиный поезд», «Трансморферы», «Авраам Линкольн против зомби»), так называемые «мокбастеры». В рекламу не вкладывается ни цента, однако счет обманутых покупателей, клюнувших на «вроде бы знакомый заголовок», идет на миллионы. Киностудии негодуют и грозят Asylum судами – пока что безрезультатно.
Кадр из фильма «Токсичный мститель»
В эпоху «Золотого века» многие «бэшки» имели продолжения, в которых придавленные контрактами «крепостные» актеры, желали они того или нет, снова и снова играли одних и тех же персонажей. После краха голливудской системы эта практика сошла на нет: независимые Б-фильмы стали получать сиквелы только в особых случаях («Токсичный Мститель», «Пиранья», «Пир»). Сегодня, в эпоху расцвета direct-to-video проектов, куда более типична другая ситуация, когда успешная высокобюджетная постановка крупной студии рождает несколько ею же произведенных «бэшных» продолжений. И в самом деле: зачем ждать, пока конкуренты перехватят и затреплют идею «Поворота не туда»/«Восставшего из ада»/«Американского пирога», если можно сделать это самолично, выпустив на хоум-видео несколько продолжений одно другого трэшевей?
У категории Б есть немало критиков, но хватает и защитников из числа тех, кто не может уснуть без свежей киношки на ночь. Второсортность «бэшек» не помешала им оказать заметное влияние на «большой» кинематограф. Многие маститые режиссеры работали на соответствующих проектах в молодости (Джеймс Кэмерон, Джон Карпентер, Дэвид Кроненберг, Джонатан Демме, Джо Данте, Мартин Скорсезе, Фрэнсис Форд Коппола etc.) или на закате карьеры, то же касается и кинозвезд. Сегодняшние любимцы хоррор-фанатов Брюс Кэмпбелл и Джеффри Комбс без успеха в категории Б не получали бы приглашений в крупные кинопроекты и не снимались бы на ТВ, а черная красотка Пэм Гриер, гениальный Винсент Прайс и увлекавшийся морфием культовый «Дракула» всех времен Бела Лугоши из категории Б вообще не выбирались десятилетиями (Лугоши вдобавок умудрился закончить карьеру съемками у «худшего режиссера всех времен» Эда Вуда). Квентин Тарантино не устает в каждой своей новой ленте признаваться в любви к эксплотейшн-кинематографу 70-х, его друг Роберт Родригес свои лучшие ленты также делал с оглядкой на Б-жанры (снятый ими совместно двухсерийный проект «Грайндхаус», воспроизводящий эстетику и форму классических кинопоказов «два по цене одного», сегодня можно изучать в школах как собирательный образ всех просмотренных авторами «би-мувиз»). Кроме того, в нулевые годы мейджоры переоткрыли для себя кассовый потенциал жанрового кино и взялись массово переснимать классические «бэшки», снабжая их приличными бюджетами и подписывая на главные роли восходящих звезд. Удивляться этому не приходится; в свое время большой Голливуд щедро подбрасывал жанровому инди-кино идеи для фильмов, теперь пришло время ответной помощи.
Кадр из фильма «Грайндхаус»
Кадр из фильма «Чиллерама»
Сегодня «бэшки» редко попадают в кинотеатры (хотя некоторые релизы крупных студий, в которые было влито немало денег, и тянет отнести к этой категории). Б-фильмы переселились на полки видеопроката, на кабельное ТВ, в Интернет. Среди них продолжают случаться и свои блистательные шедевры («Чиллерама»), и хиты («Акулий торнадо»), открываются новые имена (например, Скотт Эдкинс, ставший известный благодаря трилогии «Неоспоримый»), а мейджоры зорко следят за успехами Б-режиссеров и не упускают возможности соблазнить их высокобюджетным проектом. «Бэшки» полезны Голливуду уже тем, что на их фоне дорогие постановки сверкают еще ярче. Зрители же любят «фильмы категории Б» за то, чего сегодня нет в большом Голливуде, – ту самую творческую свободу, которая в умелых руках может значить куда больше, чем свобода финансовая. Как сказал один известный телеведущий в защиту представляемой им культовой «бэшки»: «Глупо? Дешево? Возмутительно? Пожалуй. Но ведь и очень смешно!»
Категории фильмов а б с что это
Войти
Авторизуясь в LiveJournal с помощью стороннего сервиса вы принимаете условия Пользовательского соглашения LiveJournal
Классификация фильмов по бюджету
Публикации статей, посвященных кино, мы начнем с небольшой заметки, которая прояснит ряд терминов, которые будут часто встречаться в блоге.
Классификация фильмов
Свен Железнов
В этой статье мы рассмотрим классификацию фильмов по производственным бюджетам. Речь пойдет о полнометражных лентах.
Наиболее известны широкой публике кинокартины так называемой “категории А”. Первая буква алфавита означает, что над фильмом работали самые высокооплачиваемые специалисты в области кинематографии: продюсер категории А, режиссер категории А, актеры категории А и т.д. Категория А – это не гильдия, не официальная организация, списка профессионалов категории А не существует. Специалист приобретает причастность к категории А, когда таковым его начинают считать окружающие. Категория А – это продукт репутации, созданной слухами, маркетингом, финансовыми показателями.
Как правило, кинокартина категории А имеет производственный бюджет от 30 миллионов до 300 миллионов долларов. В таком фильме обязательно играет кинозвезда, имя которой у всех на слуху. В среднем съемочный период кинокартины категории А занимает 12 недель. Съемка ведется с применением современнейших технологий, часто, в 3D формате. Кинокартина планируется к прокату на тысячах экранов. Первейшая задача продюсера категории А – вернуть затраченные деньги в первые недели показа. Поэтому кроме производственного планируется маркетинговый бюджет. Широкая рекламная компания перед премьерой – один из наиболее наглядных признаков фильма категории А. Если такой фильм проваливается в первые недели проката, это означает огромные убытки.
Для кинокартин категории Б характерным бюджетом является сумма в пределах от 2 до 20 миллионов долларов. В таких фильмах актеры, исполняющие главные роли, еще не звезды, но стремятся ими стать, либо в давнем прошлом были звездами, но сейчас хорошо забыты. Съемочный период проектов категории Б обычно не превышает шести недель. Для работы используется 35 мм пленка или всё более набирающее популярность цифровое видео высокого разрешения. Продюсеры таких фильмов не рассчитывают на рекордные показатели в первые недели проката. Фильмы категории Б всегда остаются в тени фильмов категории А. Однако при правильном расчете фильмы категории Б окупают в прокате все затраты, а прибыль собирают при продаже прав на демонстрацию по телевидению, выпуске на твердых носителях и т.п.
Вы, вероятно, заметили что между границами бюджетов категории А и Б есть существенный интервал в 10 миллионов долларов. Если на производство затрачивается 20-30 миллионов долларов, то фильм может относиться, как к категории А, так и Б. В первом случае, это означает, что продюсеру удалось найти, на чем можно сэкономить. Во втором, что продюсер сильно рискует понести убытки даже при средних сборах.
Третьим классом фильмов является класс малобюджетных кинолент. Часто картины, снятые с бюджетом от 500000 до 10000 долларов называют независимым кино (по-английски independent, indie). Раньше значительная часть таких фильмов снималась на видео. В настоящее время в малобюджетном кино наиболее популярна цифровая съемка. Есть производители, работающие с 16мм кинопленкой, но их число с каждым годом становится всё меньше и меньше.
В интервале от 2 млн. до 500 тыс. долларов находятся бюджеты либо экономных Б-фильмов, либо дорогих независимых проектов. Для первых, это обычно означает повышенный риск провала в прокате из-за низко опущенной планки качества. Для вторых – медленную окупаемость даже в случае первосортного материала.
То, что снимается с производственным бюджетом менее 10 тыс. долларов относится к ультрамалобюджетному кино. В случае, если вы собираетесь смотреть такой фильм, то можете ожидать всего, что угодно – от малосвязного хоум видео, до навороченного арт-хауса. Картины этого типа снимаются более на энтузиазме, чем ради денег. Съемочный период может занимать как один день, так и целый год. В качестве исполнителей нередко можно увидеть людей без каких либо актерских данных. Ультрамалобюджетные фильмы показываются на специальных кинофестивалях, о которых большинство людей никогда не слышало. В настоящее время, основной средой распространения ультрамалобюджетных картин стал Интернет.
Ультрамалобюджетное кино менее других классов подвержено ограничениям. В этом кино дозволено все, что вписывается в рамки бюджета. Создатели таких фильмов редко задумываются об аудитории, рейтингах, маркетинговых показателях и т.п. Ультрамалобюджетное кино насыщено экспериментами. Далеко не всегда эти эксперименты можно счесть удачными. Но одна удача на сотню провалов уже означает победу.
Кинослова. Б-муви, или фильмы категории Б.
Знакомо вам чувство, когда смотришь фильм, а в нем происходит какая-то дичь с дешевыми декорациями/эффектами/актерами, но на полном серьезе? Такое бывает, когда смотришь российские сериалы по ТВ, а зарубежом для таких фильмов придумали категорию – Б-муви. Рассмотрим это понятие, чем интересны такие фильмы и чем они отличаются от трэш-фильмов.
Фильм категории B (англ. B movie) — малобюджетная коммерческая кинокартина, которая при этом не является ни артхаусом, ни порнофильмом.
Первоначально в Золотой век Голливуда так называли фильмы, демонстрировавшиеся в кинотеатрах вторым номером в ходе распространённых тогда сдвоенных киносеансов (англ. double feature). Первым номером на таких киносеансах шла популярная, крупнобюджетная кинокартина («фильм категории А» — англ. A movie), а за ней — фильм, не пользующийся большой популярностью.
История термина Б-муви
Жанр зародился в 30-е годы в Голливуде, как ответ дорогим фильмам: Б-муви снимались быстро, дешево, без рекламы, и сразу направлялись в кинотеатры. Художественная составляющая этих фильмов никого не интересовала, ценились скорость производства и узнаваемость героев — так появились первые голливудские франшизы (в основном тогда это были вестерны).
После новаторских триллеров Хичкока началась настоящая тенденция на фильмы ужасов, которые в основном относились к Б-муви.
Наиболее успешными картинами стали фильмы Джорджа Ромеро (зомби-хоррор «Ночь живых мертвецов») и Дарио Ардженто («Суспирия»).
В 70-х с Б-муви начинали такие мастистые режиссеры, как Фрэнсис Форд Коппола, Мартин Скорсезе, Брайан Де Пальма, Алехандро Ходоровски и Джеймс Кэмерон. «Обучение» было построено просто: студия брала на работу свежих выпускников киношкол и просто молодых режиссеров, давала им мало денег, еще меньше времени и студийное задание сделать дешевую копию какого-то актуального блокбастера. Стоит ли говорить, что на выходе получалось авторское кино, разительно отличавшееся от основного потока фильмов.
Современные воплощения Б-муви
Синефил Тарантино оказался страстным поклонником B-movies. Плохое хорошее кино он, как и полагается, пропагандировал с помощью собственных фильмов. Апофеозом его «образовательный программы» стал «Грайндхаус» 2007 года, снятый им вместе с Робертом Родригесом.
Два полнометражных фильма, один о зомби-апокалипсисе, другой — о маньяке-каскадере, и четыре трейлера несуществующих картин, крутили в кинотеатрах, как и полагалось малобюджетному кино 1970-х, на сдвоенном сеансе.
Худший фильм всех времен
Культовый статус в среде киноманов лента приобрела после обзора Ностальгирующего критика, а позже и большую популярность благодаря фильму «Горе-творец», в котором Джеймс Франко сыграл самого Вайсо.
Б-муви и трэш: отличия и сходства
Эти понятия довольно тесно переплетаются, а интернет не дает однозначного ответа на этот вопрос, поэтому сформулируем своими словами. В теории эти понятия разные: говоря о Б-муви, обычно имеется в виду категория фильмов с низким бюджетом; а называя фильм трэшовым, мы говорим скорее о жанре фильма, отличающимся гротеском, сатирой и черным юмором.
Но по факту большинство Б-муви воспринимаются, как трэш, а большинство трэш-фильмов низкобюджетны, так что чаще всего эти понятия сходятся в конкретных примерах. Вот такая штука.
Актеры из фильмов категории Б
Хотя Б-муви характеризуется отсутствием кинозвёзд, многие топовые актеры Голливуда начинали с низкобюджетных фильмов. Помимо них, со временем в фильмах категории Б сложилась собственная номенклатура известных актёров, пользующихся значительной популярностью в её рамках.
Среди таких актеров Майкл Мэдсен, Эрик Робертс, Рутгер Хауэр, Дэнни Трехо, Даниэль Болдуин и др. А теперь и Николас Кейдж.
Почему смотрят Б-муви?
Трудно описать лучше, чем фразой «настолько плохо, что даже хорошо». Свой шарм у фильмов категории Б есть. А вот как отвечают пикабушники-киноманы:
«Потому что такое снимается для себя. Тут нет огромного бюджета с тоннами спецэффектов, которые показываются зачастую чисто потому что «а я вот так могу», нет актёров, которые пришли за горой бабла. Видно лишь удовольствие с которым снималась картина. Проблема в том, что именно это удовольствие всей команды, что работает над лентой и отличает фильм от низкобюджетного плохого кино, которое снято на отъе*ись» @fivefourterro.
А одним из моих любимых Б-муви в детстве был «Питон» (2000), явно пытающийся выехать на «змеиной теме» после популярности фильма «Анаконда» (1997).
Чуть позже ждите фирменную подборку фильмов от @Napisatel по этой теме.
Всё о кино
11.6K пост 40.9K подписчиков
Правила сообщества
1. Запрещено нарушать основные правила Пикабу (нет спаму, оскорблениям, вбросам, рекламе, политике).
3. Категорически запрещены спойлеры без специального тега или предупреждения как в постах, так и в комментариях.
4. Ставьте корректные теги при создании поста и указывайте в названии суть. Для постов с видеообзорами обязательно указывать тег «видеообзор». Для постов с видео c Youtube рекомендуется указывать название канала в тегах и небольшое описание, чтобы было понятно о чём это видео.
5. Запрещено целенаправленное разжигание негатива с отсутствием всякой аргументации. Авторы регулярных токсичных и агрессивных комментариев будут блокироваться. Давайте поддерживать дружественную атмосферу и уважать друг друга.
6. Будьте грамотны при составлении поста. В случае множественных ошибок в тексте пост будет удален в общую ленту, а автор, в случае неоднократного несоблюдения правил, заблокирован.
7. В сообществе не приветствуются фейки, вбросы, теории заговора, конспирология и параноидальные бредни.
Роберт Вон был практически насильно впихнут в фильмы категории Б за свои политические взгляды, а жаль >
@moderator, я снова поднимаю вопрос о вручении ачивки Skalkin-у за вклад в кинокультуру Пикабу. Просьба поддержать читающих.
со временем в фильмах категории Б сложилась собственная номенклатура известных актёров, пользующихся значительной популярностью в её рамках.
Среди таких актеров Майкл Мэдсен, Эрик Робертс, Рутгер Хауэр, Дэнни Трехо, Даниэль Болдуин и др.
А теперь и Николас Кейдж.
Помнится, в 1986м году один водолаз снял низкобюджетное кино с дешевыми спецэффектами и неизвестными актерами. «Терминатор» называется.
— В Лондоне разрушен мост.
А одним из моих любимых Б-муви в детстве
А вот это вызов. Не, ничё не помню, отдельные сцены только. Может, просто не любил такое.
@В 70-х с Б-муви начинали такие мастистые режиссеры, как Фрэнсис Форд Коппола@
Коппола начал в 1963-v с б-фильма «Dementia 13», в 70-е он уже был именитым режиссером.
И, на мой взгляд, преступно скомкано описаны истоки являения.
В 30-40-е годы многие Б-фильмы были по качеству не сильно хуже топовых картин: бюджет был меньше, но снимались зачастую те же актеры и снимали те же режиссеры, чтобы заработать, ибо «окна» между громкими премьерами бывали достаточно большими.
Это уже в конце 60-х (как говорили в интервью Коппола, Лукас и ко) голливудская система начала трещать по швам и полезло в атомных кол-вах то самое низкосортое кино, которое с тех пор мы и называем кино второго эшелона (а зачастую и вообще третьего, а то и ниже).
@moderator, конечно гениальное было решение заменить тег «Би муви» про кино на «Бюджетно» с постами о дешевых товарах.
вставка в конце поста, тоже Б-вставка
удовольствие всей команды, что работает над лентой и отличает фильм от низкобюджетного плохого кино, которое снято на отъе*ись
Опять лавалантулу пересматривать
Кинослова. Snorricam
Привет, киноманы! Веский повод вернуться к нашей давней рубрике кинослова – рассказать вам о термине Snorricam. Это необычный операторский прием, который Вы, несомненно, видели много раз в кино, на телевидении и в музыкальных клипах.
SnorriCam (также bodycam или bodymount, а ещё его могут называть “обратный стедикам” или “грудная камера”) представляет собой устройство, с помощью которого камера крепится на туловище актера. В результате получаются весьма интересные кадры, где всё, кроме актёра, движется по отношению к камере, а видеоряд обретает небывалую динамичность.
Кадр со съемок фильма «Безумный Макс: дорога ярости» (Mad Max: Fury Road, 2015).
SnorriCam назван в честь двух исландских фотографов, придумавших это устройство – Эйнара и Эйдура Снорри, которые работали вместе под названием Snorri Bros.
Однако прототипы SnorriCam существуют уже несколько десятилетий. Различные версии устройства использовались в фильмах еще в запрещенном нацистами «Kuhle Wampe» (1932) и «Seconds» (1966). В те времена практичность такого устройства была ограничена весом камеры: большинство 35-миллиметровых кинокамер были слишком тяжелыми, чтобы их можно было легко носить с собой. Однако с появлением Steadicam и производства небольших и легких камер, устройство SnorriCam обрело популярность.
Сейчас при желании такое может соорудить любой желающий из подручных средств (инструкции есть на Youtube).
Использование приема SnorriCam в кино
Чаще всего в фильмах данный прием используется, чтобы показать замешательство главного героя или адреналиновое напряжение, концентрируясь на эмоциях актера. Несколько известных примеров использования SnorriCam в фильмах:
1. «Злые улицы» (Mean Streets, 1973) – главный герой в исполнении Харви Кейтеля проходит через переполненный бар;
2. «28 недель спустя» (28 Weeks Later, 2007) – зомби, преследующий персонажа Роберта Карлайла;
3. «Мальчишник в Вегасе» (The Hangover, 2009) – персонаж Стюарт, которого играет Эд Хелмс просыпается дезориентированным и с похмелья;
4. «Пи» (Pi, 1997) и «Реквием по мечте» (Requiem for a Dream, 2000) – режиссер Даррен Аронофски широко использовал SnorriCam сразу в нескольких сценах.
5. «Карты, деньги, 2 ствола» (Lock, Stock and Two Smoking Barrels, 1998) – сцена проигрыша в покер и последующий выход главного героя из подпольного казино. В целом Гай Ричи потом не раз использовал этот прием в комбинации с различными эффектами.
Мы собрали множество ярких появлений этого приема в кино в одном видео!
А в каких еще фильмах или клипах вы помните данный прием? Пишите в комментариях 🙂
Кинослова. Manic pixie dream girl
Сегодня у нас в рубрике кинослова весьма специфичный термин на английском: «Manic pixie dream girl» или говоря проще, «девушка мечты». Возможно, вы слышали о таком типаже в кинематографе, а если нет – рассказываем. С примерами и дополнениями. Может быть вы и сами подходите на эту роль? 😉
Маниакальная девушка-мечта (MPDG, англ. Manic Pixie Dream Girl) — архетип героини женского пола, наделённой эксцентричным характером и призванной изменить главного героя произведения. Часто её появление является завязкой сюжета, а драматическое развитие отношений героя и маниакальной девушки-мечты (MPDG) превращаются в кульминацию. Образ MPDG, как правило, плоский и сочетает набор стереотипных мужских ожиданий, являясь олицетворением отличного от героя образа жизни или устремлений. Душевная динамика MPDG никак не очерчена: она лишь фактор в развитии основной линии сюжета.
Происхождение термина и первый персонаж
Саму формулировку термина приписывают американскому кинокритику Нейтану Рейбину в его заметке «The Bataan Death March of Whimsy: Case File 1, Elizabethtown«. Там этот термин приписывался героине Кирстен Данст в фильме «Элизабеттаун».
Кирстен Данст и Орландо Блум в фильме «Элизабеттаун» (2005).
Вслед за этим такой образ часто использовался в разных фильмах. Тем не менее, при желании прообраз таких персонажей можно найти и в более раннем кино, например, героиня Кэтрин Хёпберн в «Воспитание крошки» (1938).
Главная Manic Pixie Dream Girl
Помимо отдельных фильмов и персонажей, MPDG является очень частым амплуа Зоуи Дешанель в картинах с её участием: «500 дней лета», «Всегда говори ДА», телесериал «Новенькая».
Джозеф Гордон-Левитт и Зоуи Дешанель в фильме «500 дней лета».
Краткий анализ характерных черт
Маниакальная девушка-мечта живёт по принципу «всё или ничего». Она симпатична (но не суперкрасотка), у неё необычный стиль, у неё «пацанские» интересы и она проявляет спонтанную непосредственность и открытость в самых неуместных местах. Ее странность не поддаётся объяснениям. А её неяркая сексуальность лишь изредка становится более явной.
Натали Портман и Зак Брафф в фильме «Страна садов» (2003).
Спустя 7 лет в заметке “I’m sorry for coining the phrase «Manic Pixie Dream Girl» автор определения Нейтан Рейбин попытался саботировать свой же термин и подвергнуть критике то, что MPDG может вообще быть хоть сколько-нибудь самостоятельным типажом. Он высказывает мнение о том, что MPDG не более чем проявление мужской фантазии о том, чтобы вырваться из депрессивной рутины.
В этом проявляется, возможно, реакция режиссеров мужчин на растущую популяризацию феминизма с его борьбой против объективизации женщин.
Майкл Сера и Мэри Элизабет Уинстэд в фильме «Скотт Пилигрим против всех« (2010).
Кинокритик признаёт, что термин вышел за границы первоначального узкого употребления, превратился в широко применимое клише, но не говорит о том, что этот образ нашёл полноценное и достойное развитие.
Кейт Уинслет и Джим Керри в фильме «Вечное сияние чистого разума«.
После непродолжительной эры частых появлений в кино в начале 2000-х образ потерял популярность, поскольку обычно является чисто функциональным и не даёт простора для сценарного развития.
Manic Pixie Dream Boy
Дошло и до того, что придумали мужскую версию этого термина: Manic Pixie Dream Boy или Manic Pixie Dream Guy. Формулировка была найдена у Августа Уотерса в рецензии на фильм «Виноваты звезды» (2014); в которой заявлялось:
«Manic Pixie Dream Boy может быть кем угодно: крутой парень, возлюбленный, тупой спортсмен, ботаник, философ или поэт, может жертва, а может оставшийся в живых, но при этом он олицетворяет все то, что каждый парень хочет в своей жизни»
Проще говоря, он ошибочное представление о идеальном парне, который привлекает девушек. Персонаж Pixie Dream Boy также был отмечен в ситкомах, таких как «Парки и зоны отдыха».
Pixie Dream Boy в исполнении Криса Пратта в сериале «Парки и зоны отдыха» (Parks and Recreation, 2009-2015).
В фильме «Идеальный голос» (2012), где главную роль сыграла Анна Кендрик, такого персонажа сыграл Скайлар Эстин. Его роль ограничивается тем, чтобы уговорить главную героиню выйти из тени и начать жить в полной мере. У него нет своей предыстории, и у него нет глобальных целей в контексте фильма.
Скайлар Эстин и Анна Кендрик в фильме «Идеальный голос» (2012).
(подобранная алгоритмом фантастическая девушка)
Райан Гослинг и Ана де Армас в фильме «Бегущий по лезвию 2049» (2017).
И еще несколько появлений Manic Pixie dream girl:
— Почти знаменит (2000) – Кейт Хадсон
— Руби Спаркс (2012) – Зои Казан
— Ищу друга на конец света (2012) – Кира Найтли
— 13 причин почему (сериал, 2017) – Кэтрин Лэнгфорд
На этом все! Надеюсь, было интересно 🙂
А какие еще Manic Pixie dream girl встречались вам в фильмах? Пишите в комментариях!
Кинослова. Культовое кино
Всех с началом рабочей недели! С вами Skalkin и продолжение рубрики кинослова. Сегодня мы попробуем разобраться в таком запутанном понятии, как культовое кино, приведем примеры и признаки этого явления в среде киноманов.
Хотя культовым может стать как авторский, так и мейнстримный фильм, иногда к ним относят фильмы, не достигшие успеха в широком прокате и получившие популярность в некоторых социальных группах и субкультурах.
Сложность определения термина состоит в том, что все-таки это понятие субъективное и относительное. Это могут быть как и крупные проекты, заработавшие большие кассовые сборы, так и не мейнстримовое авторское кино. У них могут хорошие оценки критиков, а могут быть и не очень. Но мы попробуем выделить основные признаки культового кино.
Культовые фильмы известны своей преданной, страстной фан-базой, а иногда и сложной субкультурой. В первую очередь такая массовая сплоченность фанатов проявляется у крупных франшиз. Это и фильмы Марвел, и «Властелин колец», «Гарри Поттер», и, конечно, «Звездные войны».
Важной частью любой подобной суб-культуры является косплей. Одним из популярных мест встречи косплееров является Comic-Con — ежегодный фестиваль, проходящий в Сан-Диего (США) с 1970 года. Он посвящен комиксам, фильмам и другим элементам поп-культуры, таким как телесериалы, литература, мультипликация, аниме, видеоигры и т.д.
Проведение тематических вечеринок
Почитание может проявляться в различных традициях, таких как тематические вечеринки. Фанаты регулярно собираются чтобы обсудить любимые фильмы и пересмотреть их. Косплей так же присутствует.
Яркий пример плохого культового фильма – «Комната» (2003, реж. Томми Вайсо). Фильм почти ничего не собрал в прокате и был ни кому не известным, но в последствии стал культовым как отличный образец высокохудожественного трэша. Ютуб-обзорщик Nostalgia Critic прославил фильм, запилив на него обзор в 2010 году, а пиком популярности стал «Горе-творец» (2017), рассказывающий про съемки «Комнаты».
Кстати, аналогичная ситуация сейчас происходит с обзорами Badcomedian – фильмы из его обзоров имеют экстремально низкие оценки, но благодаря юмористичной подаче обзорщика обретают славу и даже культовый статус.
Яркий тому пример – фильмы Невского (промо-фото к фильму «Разборка в Маниле»).
Важно также, что культовыми фильмы становятся по истечении нескольких лет (от 5 лет и более). Наиболее ярким примером является «Бегущий по лезвию» (1982), который популяризировал целый поджанр в кино – киберпанк (стоит отметить, что в книгах жанр встречался и ранее) и со временем приобрел славу. А ведь поначалу его не оценили ни критики, ни зрители должным образом.
Новый «Бегущий по лезвию 2049» (2017) тоже имеет все шансы стать культовым, хотя и провалился по сборам.
Культовые фильмы часто были провальными
Часто эти фильмы не были успешными в прокате, но со временем обретают славу в кругах киноманов. Примеры таких фильмов:
— Страх и ненависть в Лас-Вегасе
— Достучаться до небес
Существует и обратный эффект: фильм может быть очень успешным коммерчески, но через несколько лет про него уже никто и не вспомнит.
Упоминания культового фильма в интернете (в том числе и на Пикабу)
В современных реалиях помимо косплея, тематических вечеринок и цитирования ярким признаком культовости являются интернет-мемы и цитирование. Иногда они просто обыгрывают забавную ситуацию или просто скриншот из фильма, в этом случае мем может стать популярнее фильма (тот момент, когда видел шутку-мем, но не знаешь, из какого это фильма).
Если что, это кадр из фильма «Невероятные приключения Билла и Теда» (1989), на который, кстати, в этом году снимают сиквел.
Цитирование может проявляться не только в фразах из фильма, но и в жестах, повадках или танце.
Одним из свежих примеров культового кино является «Драйв» (2011), и у него есть отдельная отличительная особенность – это легендарный саундтрек. Не все согласятся, но изрядную долю успеха фильма сыграла именно подобранная музыка к фильму. А ведь «Драйв», на минуточку, задал моду на музыкальный жанр Syntwave/Retrowave, который отсылает к атмосфере фильмов 80-х и ностальгии по ним. Ну или, как минимум, внес большой вклад в популяризацию жанра в современной культуре.
Таким образом, выделим основные признаки. Типичный культовый фильм:
1. Имеет собственную суб-культуру
2. Становится поводом для тематических вечеринок
3. Часто пересматривается фанатами
4. Не зависит от успеха по сборам
5. Не зависит от качества фильма
6. Выдерживает проверку временем
7. Не обязательно популярен у массового зрителя
8. Часто цитируется фанатами
9. Используется в интернет-мемах
10. Имеет легендарный саундтрек
P.S. Фильмы Квентина Тарантино
Отдельно хотелось бы выделить фильмы Тарантино. Пожалуй, есть некоторая предрасположенность у его работ, чтобы стать культовыми, т.к. он мастерски пишет сценарии, полные ярких диалогов и легендарных цитат (к подобным можно также отнести ранние фильмы Гая Ричи, «Святые из Бундокка»). В 1990-х Квентин, в свою очередь, частично стилизовал свои картины под эстетику «старых» культовых фильмов, а также, безусловно, внёс и свой авторский вклад в культовое кино. Практический каждый фильм Тарантино сейчас обрел многие признаки культового статуса.
Новый фильм «Однажды в Голливуде» (2019) имеет все шансы стать культовым, как считаете? Но это мы узнаем точно лишь спустя годы, когда уляжется «хайп». Время покажет!
Какие фильмы, по-вашему, можно назвать культовыми на Пикабу? 🙂
По субъективным наблюдениям, на Пикабу культовость фильма выражается бесконечным повторением цитат из фильмов в комментариях (и в тему, и не в тему), таких как например (помимо упомянутых выше): Зеленый слоник, фильмы Гайдая, фильмы Челентано, Шырли-Мырли, Матрица и др.
Кинослова. Нео-нуар
Всех с началом рабочей недели! Сегодня мы, под впечатлением от сериала «Слишком стар для этого дерьма чтобы умереть молодым», рассмотрим термин нео-нуар в нашей рубрике кинослова. Как появился жанр и в чем его характерные особенности – в нашей статье.
Неонуа́р (neo-noir) — обозначение нуаровой волны, которая прокатилась по американским киноэкранам в первой половине 1970-х годов на фоне уотергейтских разоблачений и неудач американцев во Вьетнаме. Иногда термин распространяют и на цветные фильмы с элементами нуара, которые снимались в более поздний период.
Но это определение не в полной мере описывает жанр.
Поэтому для начала вспомним, что такое нуар.
Нуар и его характерные черты
Нуа́р (фр. film noir «чёрный фильм») — кинематографический термин, применяемый к голливудским криминальным драмам 1940-х — 1950-х годов, в которых запечатлена атмосфера пессимизма, недоверия, разочарования и цинизма, характерная для американского общества во время Второй мировой войны и в первые годы холодной войны.
Первоначально нуар появился как стиль, а не жанр.
Для стиля нуар характерны:
— детективная структура и криминальная тематика;
— ночные или намеренно затемненные сцены;
— свет, падающий через жалюзи косыми линиями;
— скрытые в тени герои или их лица;
— камера с широкоугольным объективом и «голландский угол»;
— методичное, размеренное нагнетание напряжения от диалога к диалогу (саспенс);
— среда обитания — большой город-лабиринт в целом и его криминальная обочина в частности;
— действие в барах, мотелях, увеселительных заведениях, подпольных залах для азартных игр;
— мотив воды: дождь, влажные поблёскивающие улицы, доки, причалы;
— сложная, запутанная хронология действия, создающая впечатление «потерянности во времени», дезориентации;
— присутствие архетипа «роковой красотки».
Многие из этих клише присутствуют и в нео-нуаре.
История происхождения термина Неонуар
Последствия войны во Вьетнаме, череда нераскрытых убийств политических деятелей, сенсационные журналистские разоблачения власть предержащих и спад в экономике — эти обстоятельства придали многим фильмам Нового Голливуда налёт неизбывного пессимизма. На этом фоне в Голливуде вновь оказалась востребованной эстетика нуара, которая вышла из моды в оптимистический период экономического бума середины 1950-х годов.
В «Китайском квартале» Романа Полански (1974) действие происходит в координатах классического нуара (мегаполис 1930-х годов), однако выводы, к которым приходит частный детектив после традиционной для жанра встречи с загадочной незнакомкой, настолько радикальны, что их нельзя себе представить в кинематографе времён 40-х, требовавшего, чтобы порок под конец фильма был наказан и на все вопросы даны чёткие и внушающие уверенность ответы.
Этот период развеял романтический флёр вокруг фигуры частного детектива — странствующего рыцаря в плаще современного покроя, наглядно показав его беспомощность перед лицом господствующего кругом зла, от которого он и сам едва в силах удержаться. Лишённые загадок и сюрпризов, эти неутешительные фильмы только подтверждают, что дело и в самом деле обстоит так плохо, как это нам представлялось. Нуарная традиция Нового Голливуда представлена также такими лентами, как «Долгое прощание», «Злые улицы», «Таксист» и др.
В 80-е в моду входят ремейки классических нуаров («Почтальон звонит дважды», «Наперекор всему», «Ночь и город»). В фильмах братьев Коэнов «Просто кровь» и «Перекрёсток Миллера» нуар сгущается до полного абсурда и переходит в чёрный юмор.
«Кто подставил кролика Роджера» (1988) – любопытная вариация нуара, выполненная частично в мультипликационном варианте, умело пародирует жанр.
В 1990-е годы традицию неонуара продолжают фильмы «Первая сила», «Секреты Лос-Анджелеса», «Подозрительные лица», «Помни» и другие. Здесь характерен элемент субъективизма, многие события оказываются порождены расстроенным сознанием главного героя. Источник зла перемещается извне в сердце главного героя, который не только испытывает соблазн перейти на сторону зла (воспринять преступные методы борьбы с преступностью), но и не находит для себя другого выхода, кроме как уступить этому соблазну.
Сейчас к нео-нуару в той или иной степени можно отнести фильмы:
— Старикам тут не место (2007)
— Девушка с татуировкой дракона (2009) / (2011)
— Закатать в асфальт (2018) и др.
Особенно интересен фильм-комикс «Город грехов» (2005) который обыгрывает многие известные клише нуарных фильмов.
Как было сказано ранее, для современного нео-нуара характерно смешение жанров. Это может быть сочетание нео-нуара:
— с комедией («Поцелуй навылет», «Врожденный порок», «Под Сильвер-Лейк»);
— с фантастикой («Матрица», «Помутнение», «Бегущий по лезвию 2049» и др.).
На самом деле, для сочетания нуара с фантастикой тоже существует отдельный термин – тех-нуар. К нему относят «Бегущий по лезвию» (1982) и «Терминатор» (1984), в котором и было впервые упомянуто слово (название бара). Тех-нуар тесно связан со стилем кибер-панк.
Творчество Николаса Виндинга Рефна и Лос-Анджелесский нео-нуар
Особенное место в списках нео-нуара занимают фильмы Николаса Виндинга Рефна. Все потому, что у режиссера сформировался свой особенный и узнаваемый стиль.
Поздние фильмы Рефна обозначили его переход на территорию преимущественно визуального повествования и работы со скрытыми подтекстами. Последние три фильма режиссёра формируют так называемую «неоновую трилогию», которая объединяет картины по следующим признакам:
— визуальный ряд насыщен яркими контрастными цветами и неоновым освещением;
— саундтрек ко всем фильмам написал Клифф Мартинес;
— в них отображается двойственность человека и вечное противостояние дня и ночи, добра и зла.
— старое доброе ультранасилие;
— молчаливый и безэмоциональный главный герой.
На съемках «Драйва» Рефн и Гослинг каждый вечер отправлялись кататься на машине по Лос-Анджелесу, чтобы найти подходящие места для съёмок. Эти поездки позволили режиссёру прочувствовать дух города, в котором ему предстояло снять фильм. Вместе с Гослингом он часто слушал электронную музыку, и это позволило ему представить, какое настроение должно быть у «Драйва».
Сейчас «Драйв» считается самым успешным фильмом Рефна, стал очевиден его культовый статус. В то время как последовавшие за ним «Только Бог простит» и «Неоновый демон» получили смешанные отзывы — их ругали за претенциозность и пустоту.
Однако нельзя отрицать, что благодаря этим фильмам у Рефна сформировался неповторимый визуальный стиль и эстетика, в которых преобладают яркие неоновые цвета, подчеркивающие агрессивность окружающей ночной среды и экспериментальный, постоянно меняющийся подход.
Все это есть в его новом сериале «Слишком стар, чтобы умереть молодым» в котором главный герой в исполнении Майлза Теллера противостоит различным криминальным структурам, и все это происходит в том же Лос-Анджелесе, так полюбившемуся Рефну. За это его окрестили королем «лосанджелесского неонуара«.
Итак, подведя итог, отметим отличительные черты современного нео-нуара:
— цветная картинка с ярким и контрастным светом;
— циничный и неоднозначный главный герой;
— внутренняя борьба героя и соблазн перейти на сторону зла;
— деградация общества, тотальная коррупция и бесправие;