поле акварель этюд на большие отношения
Пособие (акварель)
В пособии использованы фотографии работ учащихся Гомельского государственного художественного колледжа из архива Светланы Курашовой.
Аннотация
Данное пособие представляет собой выдержки из методической разработки автора, созданной на базе собственного двадцатилетнего педагогического опыта работы в художественном колледже и основывается на традиционной методике обучения акварельной живописи.
Методика преподавания акварельной живописи очень близка автору как художнику-акварелисту. Пособие сопровождается иллюстрациями работ учащихся, фотографиями процесса акварельного письма и работами автора разработки.
Преподавание акварельной живописи имеет свои особенности, начиная с положения мольберта, включая ведение процесса от светлого к темному и заканчивая рядом специфических технических приемов, невозможных ни в какой другой живописной технике.
Основной вид учебного задания по живописи – длительный этюд с натуры. Задачи учебных постановок даны в определенной последовательности и имеют тенденцию постоянного усложнения. Задачи каждой постановки ставятся особо.
В начале обучения важно акцентировать внимание учащихся на развитии культуры широкого живописного видения натуры, чувстве красоты и гармонии цвета, непосредственности его восприятия, практическом умении работать над цветовыми и тоновыми отношениями, целостности понимания натуры и этюда.
Очень часто приходится слышать на первом занятии «А я никогда не использовал акварельные краски, а только слышал, что акварель очень сложная техника». Да, действительно, акварель, как водяная краска обладает всеми свойствами водяной стихии. Она может быть своенравной и непредсказуемой. Но если изучить и полюбить ее свойства и особенности, то этот древнейший материал может покориться воле художника и стать его союзником.
Упражнение «заливка».
Упражнение «растяжка».
Далее следует предложить упражнения на «растяжку» цвета от насыщенного до почти белого цвета бумаги и наоборот от воды до насыщенного раствора.
Упражнение «впайка» цвета в цвет.
Следующим является упражнение на «впайку» цвета в цвет. Здесь уместно предложить учащимся одновременно попрактиковаться в какой-нибудь определенной гамме (теплой или холодной).
Упражнение на увеличение плотности красочного слоя.
Затем берем один из высохших прямоугольников на которых тренировались делать равномерную заливку и поделив его на 4 части добиваемся большей плотности красочного слоя не сгущая раствор краски, а лессируя тонким слоем поверх сделанных.
Упражнения «мазки».
Далее покрываем сухой лист бумаги отдельными мазками большой кистью слегка захватывая соседние участки.
Затем покрываем сухой лист прозрачными мазками оставляя незакрашенными маленькие участки белой бумаги.
В акварельной технике существует много разных техник и приемов. Но стоит ли браться за них, не закрепив базовые знания практической работой. Впрочем, чтобы Вам было интереснее работать, можно попробовать применение парафина и эффект соли.
Упражнение «соль».
На еще влажный участок акварели мы сыпем соль. (можно использовать соль как мелкого, так и крупного помола)
Упражнения «парафин».
Те участки бумаги, которые мы хотим оставить незакрашенными, мы покрываем парафином. Далее наносим акварель прямо поверх парафинового рисунка.
Выполненных упражнений уже достаточно, что бы перейти к простейшим этюдам.
Выполнение первых этюдов акварелью
В качестве натуры подходят любые обычные овощи и фрукты: яблоки, груши, свекла, огурцы, томаты, капуста и т.д.
Задача: передать цвето-тональные отношения, «пролепить» объем предметов цветом, учитывая фон и падающую тень.
Поскольку мы отталкиваемся от того, что вы имеете понятие о способах передачи объема предметов, обратите внимание на характер освещения, на разницу между светом и тенью, на присутствии рефлексов.
Натюрмортные постановки организуют сначала из небольшого количества предметов несложных по форме, выразительных по цвету, на однотонных драпировках, подчеркивающих выразительность предметов. Другими словами – от простого к сложному.
На начальной стадии обучения без твердых знаний о закономерностях распределения светотени и навыков тонального рисунка вам будет трудно убедительно передать цветом общую форму и материальность предметов, поэтому необходимо уделять серьезное внимание подготовительному рисунку и тщательно строить формы предметов.
Имеет смысл первые этюды поделать в технике «гризайль». Это поможет решить ряд вопросов проработки тона, светотени и пространства.
В идеале натурные постановки должны ставить педагоги в определенной последовательности. Каждая постановка должна содержать определенные учебные задачи. Усложнение установок должно идти не по линии увеличения количества предметов, а по пути повышения требований в вопросах передачи формы, колорита, световоздушного пространства.
При работе над подготовительным рисунком может несколько нарушаться структура и белизна акварельной бумаги, на которой планируется вести основную работу. Поэтому при работе акварелью практикуется перенесение подготовительного рисунка с отдельного листа на основной формат.
Как правило, на первых постановках вполне естественен следующий вопрос: с чего начинать работу?
Нужно сказать, что с одной стороны последовательность работы может быть индивидуальной, а с другой – необходимо сразу вырабатывать профессиональный подход к началу работы. Начинать работу следует с поиска основных цветовых отношений. Обычно колорит картины определяется сочетанием 2-3 основных цветовых пятен, которые обогащаются своими оттенками и сочетаются с другими.
Одно из отличий акварели от гуашевой и масляной живописи в том, что работу ведут от светлого к темному. Кроме того стоит всегда найти возможность оставить в работе белое, незаписанное пятно, передающее максимальную силу света, идущую с белого листа бумаги.
На практике многие на первых порах начинают работу с фоновых пятен дальнего плана, опасаясь испортить более важные участки работы. Этому не стоит препятствовать, так как вырабатывание навыков широкого, обобщенного письма, мягкого соединения пятен тоже необходимо. Здесь можно работать широкими заливками, используя растяжку цвета, впайку цвета в цвет, и можно попробовать работать «A La Prima», размочив большой кистью необходимый для работы участок. Так как с дальними планами начинающие работают более смело, не так боятся испортить, то данные навыки обычно легко осваиваются.
К ближним планам постановки следует использовать другой подход. Здесь необходима детализация, обострение контрастов, убедительная проработка формы предметов и складок. Способ работы здесь рекомендуется по сухой поверхности листа, небольшими заливками или мазками по форме. Некоторые навыки уже приобретены в процессе выполнения первых этюдов.
Учебные (аудиторные) и домашние работы, выполняемые студентами в процессе обучения акварельной живописи:
Задание №1. Этюд осеннего натюрморта из двух-трех предметов.
Конспект урока по пленэру «Кратковременные этюды пейзажа на большие отношения»
2. Тема. Кратковременные этюды пейзажа на большие отношения.
Цель: знакомство с особенностями пленэрного освещения, теплохолодности, рефлексов
Задачи: 
Интересное композиционное решение;
Применение основных правил перспективы;
Использование различных приемов работы акварелью и карандашом.
Практическая работа : Зарисовки и этюды первоплановых пейзажа на большие отношения. Формат А3. Материал – графитный карандаш, акварель. 
А) Для преподавателя: примеры работ, карандаш, стул, ластик, акварель.
Б) Для учащихся: этюдник, стулья, бумага, карандаши, ластик, акварель.
1. Организационный этап.
2. Теоретическая часть.
3. Выполнение учащимися зарисовки первоплановых элементов пейзажа.
4. Подведение итогов.
1. Организационный этап.
Ученики приветствуют учителя. Проверка готовности к уроку. Учитель раскрывает цель и задачи урока. (5 минут).
2. Теоретическая часть.
Быстрый, краткосрочный этюд следует начинать с нанесения широкими заливками наиболее светлых и темных участков, которые обычно «задают» основные контрасты; при этом желательно класть краски в один слой, не наводя «грязи». В этом отношении любопытен опыт известной русской художницы А. П. Остроумовой-Лебедевой, которая для запоминания взволновавшего и понравившегося ей мотива помечала для себя цифрами на рисунке градации светлоты и темноты натурных отношений: от самого светлого пятна до самого темного. Кроме того, она записывала сокращенными словами краски и цвета одежды людей, объектов и деталей пейзажа.
Следует постоянно сравнивать цветовые пятна друг с другом, проверяя верность выбранных тоновых и цветовых отношений и постепенно прописывая менее контрастные места. Конечно, редко удается сразу же все сделать правильно. Поэтому обычно по ходу работы приходится периодически наносить краску по уже закрашенным местам – делать это следует осторожно, аккуратно лессируя хорошо просохшие нижние слои красок. При необходимости можно высветлить некоторые участки этюда отжатой в чистой воде кистью.
1. Если в выбранном мотиве есть полоса небосвода, то лучше начинать писать с нее. Следует помнить, что цвет неба задает главную тональность всей работы в целом. Поэтому небо надо писать заливками трех или более цветов, которые впоследствии будут использоваться по всему пространству этюда. Это позволит гармонизировать отношения между цветовым решением неба и других объектов композиции, достичь необходимого колористического строя в этюде и создать впечатление ясной, прозрачной атмосферы.
2. Работать следует по принципу «от целого к частному» одновременно на всех участках этюда; при этом нельзя заканчивать какой-либо участок преждевременно и работать над созданием на нем мелких деталей и интересной фактурной поверхности. Следует помнить, что нельзя «спасти» работу никаким количеством деталей, если в ней нарушено или же отсутствует верное соотношение степени тональной интенсивности, цветовой гаммы и пространства.
3. Средние тона в этюде должны быть основательно продуманы – это своего рода фундамент живописи, который впоследствии «застраивается» темными и светлыми участками. Если диапазон средних тонов изначально был найден неверно, светлые и темные тона не смогут спасти работу и будут израсходованы напрасно.
3. Выполнение учащимися этюда пейзажа на большие отношения.
Ученики выполняют этюды пейзажа.
Просмотр и обсуждение выполненных работ.
Самостоятельная работа: просмотр учебных видеофильмов. (Формат А4)
Цель: закрепление полученных знаний на уроке.
Поле акварель этюд на большие отношения
Как писать длительные этюды акварелью
Длительный этюд акварелью начинающему труднее написать в технике а-ля прима, даже если в ней уже удачно выполнялись кратковременные этюды. В этом случае, как известно, усложняются задачи колористического решения этюда.
В акварельных односеансных этюдах, выполненных в один прием, в одну прозрачную красочную прописку, часто ощущается недостаточная интенсивность красок. Слабый раствор красок, несмотря на правильно взятый цвет, передает как бы призрачный мираж, в котором предметы кажутся невесомыми и лишенными фактуры.
Когда таким способом изображается мотив, характерный воздушностью и нежностью колорита (туманное утро, туман в сумерки), то этюд, даже выполненный «по сырому», производит свежее впечатление. Но в этюдах натюрмортов, а впоследствии и в этюдах головы и фигуры человека у начинающих появляется стремление как-то насытить цвет. Обычно они прибегают к наслаиванию густых, непрозрачных мазков акварелью. Этим достигается в какой-то мере желательное уплотнение цвета, но только до той поры, пока вода не испарилась из краски. Чем больше высыхает этюд, тем заметнее тускнеет и глохнет цвет густых мазков.
Для достижения плотности цвета в акварели используют и другой прием: наносят краску на очень шероховатую с глубокими «луночками» между зернами бумагу, придав мольберту почти горизонтальное положение. Это дает уплотнение цвета, потому что краска, затекающая между зернами бумаги, насыщает и цвет, не лишая его, однако, чистоты, свежести и прозрачности.
Можно попробовать писать и на сильно тянущей влагу бумаге, но она все-таки не дает возможности длительно моделировать форму и раскрыть тончайшие градации светотени. Для длительных этюдов нужна более плотная бумага.
Работа над длительными акварельными этюдами условно распадается на несколько стадий. Здесь они приводятся для того, чтобы художник мог сознательно их придерживаться в соответствии с характером натуры и задачей этюда. Но не советуем всякий раз педантично членить границы и задачи этих этапов, а когда нужно, решительно переводить этюд с одной стадии в другую.
Первой стадией выполнения длительного этюда акварелью считается нанесение контура.
Если стоит задача передать объемную форму в среде, создать впечатление глубокого пространства на плоскости этюда, то контур здесь будет играть вспомогательную роль только как средство построения формы. Если же акварелью собираются сделать плоскостное изображение, например связать орнаментальный узор с поверхностью стены в эскизе бордюра, то контур должен зрительно утвердить плоскость, определить строгость и ясность элементов орнамента. Контур должен быть четким и видимым до конца работы. Наносится он твердым графитом или даже пером с несмываемой тушью на прочную, плотную бумагу четкими линиями, которые выгодно несколько утолщать лишь там, где контур должен быть виден под темным цветом.
Строгий рисунок иногда необходим и в станковом этюде, если поставлена задача изображения сложной формы, которая требует детального и выверенного построения. Но при всей строгости рисунка контур здесь уже носит иной характер, чем в рисунке под орнамент. Линия должна строить объемную форму и служить основой для свободной лепки ее объема, а не сковывать кисть.
Места бликов, которые не надо на первых порах записывать цветом, можно очертить. Но лучше их закрыть резиновым клеем. Быстро засохнув, он защитит от окрашивания то место, где полагается быть блику, даже если писать широко. Когда выявляют блики, клей легко удаляется резинкой. Образовавшийся просвет остается лишь слегка пролессировать цветом, соответствующим данному блику.
Стадия нанесения контура под акварель органичнее сольется с началом работы цветом, если провести предварительную обобщенную прописку формы сразу кистью одной краской (причем не только голубой, как говорилось, выше, а когда нужно и теплой). Но необходим опыт, чтобы правильно предугадать цвет под акварельную живопись.
В отличие от этюда маслом акварель ведут не от темного к светлому, а от светлого к темному, если работают в технике постепенного усиления цветосилы акварельных прописок. Эта последовательность объясняется тем, что всегда имеется возможность путем лессировок утемнить тот или иной цвет, а вот высветлить какой- либо участок этюда уже трудно. Поэтому чаще всего начинают с прописывания освещенных и вообще самых светлых мест по всему этюду, согласовывая их цветовые оттенки. Затем прокрывают полутени сразу на всех предметах, также сравнивая их оттенки между собой и с цветом освещенных мест. Далее прописывают тени, то есть все более и более погашают тона от светлых к темным, насыщая цветом этюд.
Существует и другой способ, когда наносят собственные цвета по всей освещенной части предметов и сразу пишут тени, согласовывая свет и тень по цвету, а полутона и полутени наносят последующими прописками по этой первоначальной раскладке основных цветовых пятен.
Первый способ, таким образом, заключается в исполнении этюда от светотени к цвету, а во втором этюд ведут от цвета к светотени. Нанесение одного прозрачного слоя на другой, тоже прозрачный, создает в акварели богатую игру цвета, дает возможность проводить всевозможные лессировки.
Поскольку все красочные слои в акварели прозрачны, лессировки здесь смягчаются белым цветом бумаги и имеют особенно привлекательный, нежный и мягкий тон, иногда очень неожиданно получающийся даже в процессе письма а-ля прима. Поэтому лессировки в акварели применяются шире, чем в масляной живописи,- такова природа этого красочного материала.
Но и в акварели используется корпусное письмо. Усилив лессировками тени почти до необходимого тона, сразу же нужно поднять и звучность ранее слегка тронутых краской освещенных мест фона. Для этого наносят новые оттенки в освещенных участках, но не только «цветной водой», а и полусухой кистью. Этим приемом, не утрачивая прозрачности новых мазков, придают цвету большую плотность. Полусухая кисть касается только верхушек зерен бумаги, придавая тем самым некоторую фактурность освещенным местам в противовес воздушным обобщенным лессировкам в тени.
Если бумага очень шероховатая, на акварельную кисть берут много жидко разведенной краски и наносят не столько мазок, сколько каплю. Напомним, что в этом случае планшету лучше придавать почти горизонтальное положение.
Корпусность достигается также добавлением в смесь черной краски или белил. Но делать это надо осторожно. А начинающим и вовсе не стоит пользоваться этим приемом, так как белила внесут в этюд мутно-грязный цвет.
Приемы письма чистой акварелью заключают в себе широкие возможности для решения живописных задач.
О мазке в акварели можно сказать то же, что говорилось об этом в беседе о масляной живописи: характер мазка помогает лепить форму и передает особенности почерка художника, его воодушевленность и энергию. В акварели можно достигать тончайших переходов от оттенка к оттенку, сливая мазки, нанося их «по мокрому» или вливая краску в уже положенный мазок. Можно наносить и мазки-пятна с четкими краями, напоминающие цветные камешки мозаики. В этом случае планшет тоже приподнимают, чтобы краска не растекалась. Этим обеспечивается четкость мазков, которые как бы гранят объемную форму.
Прелесть акварели придают и свободные «подтеки» краски, а как управлять ими, вы уже знаете. К сожалению, некоторые очень боятся подобных «подтеков» и, вместо того чтобы учиться «управлять» ими, пишут полусухой кистью, как бы растушевывая краску и тем самым засушивая этюд.
Умелое пользование кистью помогает также передать изгибы поверхности округлых предметов у «краев» их формы, то есть тонко прописать и касания.
Сливая чистой полусухой кистью мазки, только что нанесенные по форме и по тону, достигают мягкого перехода, расплывчатого «контура», передающего округлый изгиб поверхности формы. Можно между этими мазками влить и переходный оттенок, если он увиден в натуре. Контраст цвета предмета и цвета ближайшего к нему участка фона, как известно, очень важно наблюдать и передавать.
Конечными стадиями акварельного этюда (как и любого) считают деталировку и завершающее обобщение.
Необходимые детали вводятся в процессе моделировки формы более тонкими кистями, чем велась обобщенная лепка объемов. Поэтому в работе над длительными этюдами надо уже пользоваться не одной-двумя кистями № 16-24, а набором акварельных кистей.
Соблюдать правила нанесения прозрачных мазков на этой стадии особенно важно. Нередко, пользуясь тонкими кистями, неопытные художники наносят детали в виде линий и штрихов густой краской, которая, высыхая, приобретает мутный и глухой тон, вырывающийся из общего акварельного тона.
Завершающее обобщение ведется широкими лессировками, в основном предназначенными для ослабления яркости тех мест, которые должны отступить на дальний план, для обобщения фона и, наоборот, для усиления цвета выпуклостей первых планов, наиболее сочных и ярких в натуре.
Если в процессе деталировки этюд приобрел несколько «замученный» вид и был слишком перегружен наслоениями красок, например в тенях, то перед завершающими прописками его лучше отмыть. Для этого этюд подносят на планшете под водопроводный кран и весь заливают водой. Если надо отмыть только часть этюда, то действуют широкой, сильно увлажненной кистью. Затем решительными прописками в манере а-ля прима смело оживляют этюд, воскрешая первое, наиболее яркое впечатление от натуры.
Применяется также способ обобщения, который усиливает цветовой фон этюда в целом. Если для мотива, например, характерно преобладание теплых тонов, то завершающее обобщение можно провести, закрывая его тонким красочным слоем соответствующего оттенка, а затем делая акцентирующие удары в наиболее красочных местах. Но делать это нельзя механически, не опираясь на технический опыт и, главное, на глубокое понимание колористического решения этюда.